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10 Himnos de la Música Electrónica (Parte 3)

Desde los cimientos de la música electrónica, infinidad de tracks sonaron en clubes, hogares y oídos de los amantes de este género musical. Hay algunos tracks que no pasaron para nada desapercibidos, a tal punto que marcaron un punto culmine en la historia de este género.



Estamos hablando de esos tracks que fueron escuchados, gozados y alabados por todos hasta estos días. Precursores de géneros, artistas y sonidos.


En esta ocasión les traemos la tercera parte de "10 himnos de la música electrónica" que fueron galardonados por la gente como algunos de los mejores de todos los tiempos. Cuando escuches cuales son, no vas a poder creer los años que tienen y la vigencia que siguen teniendo entre los mejores tracks de la historia jamás creados.

 

 The Chemical Brothers - Hey Boy Hey Girl

The Chemical Brothers es uno de tantos grupos de big beat que crearon piezas seculares de música electrónica a partir de tomar sampleos de canciones ya existentes, de rock, hip hop, y otros géneros. Y es que uno de sus tracks más trascendentales como lo es "Hey Boy Hey Girl" no fue la excepción, ya que utilizaron una frase inicial de "The Roof Is On Fire", del grupo Rock Master Scott & The Dynamic Three para la vocal.


Fue lanzado en 1999 como el primer sencillo de su álbum Surrender. Este icónico track es un himno optimista y enérgico que celebra el sentimiento de alegría y libertad que se puede encontrar en la música. La letra invita al oyente a unirse a la celebración de la música mientras cantan su tan característica estrofa.



La canción enfatiza aún más que, a pesar de nuestras diferencias, todos podemos unirnos para disfrutar de la música y los buenos momentos que trae. Alienta al oyente a unirse y dejar de lado las inhibiciones, alentando a todos a la celebración de la música y perderse en el momento.


Mientras que Daily Records la catalogó como un gran éxito, en octubre de 2011, NME lo colocó en el puesto 50 de su lista "150 mejores pistas de los últimos 15 Años", escribiendo que la canción "comienza con un ritmo amenazador y cargado de trance hasta convertirse en un absoluto baile"


Como sino fuese suficiente, también logró posicionarse en el Top 1 de la lista UK Dance, y en el top 5 de UK Singles, en España, Escocia, Irlanda, Islandia y Canadá.

 

Robert Miles - Children

Todos los artistas que sueñan con vivir de la música, desean ser recordados por grandes hitos o hazañas que los llevaron a lo más alto, y se puede decir que Robert Miles lo logró, y todo gracias a "Children".


Miles tuvo dos inspiraciones a la hora de crear este track.​ Una fue como respuesta a las fotografías de niños víctimas de la guerra en Yugoslavia que su padre había traído a casa de una ayuda humanitaria en el antiguo país mencionado. Mientras que la otra inspiración estuvo destinada a calmar a los asistentes del rave antes de conducir como un medio para reducir las muertes en accidentes automovilísticos.


Publicado para el sello DBX en enero de 1995, Children careció de atención inicial en la escena dance. Tuvieron que transcurrir nueve meses, hasta Noviembre de ese año, para que el tema alcanzase el estrellato planetario.



En cuanto a sintetizadores y otros equipos empleados por Robert Miles, se basó fuertemente en sonidos generados por Kurzweil K2000, equipado además con prestaciones de sampling. Pero el piano de la versión más popular procede de Korg M1, al igual que el sonido etéreo que, con altas dosis de reverb, se escucha en la lejanía.


Logró mantenerse en las primeras posiciones de las listas de éxitos de 13 países durante semanas. En Francia y Suiza permaneció como Número Uno durante 11 y 13 semanas, respectivamente. Según Billboard, alcanzó el Top 5 en todos los países europeos que mantenían una lista de ventas de singles en aquellos tiempos.

 

Jaydee - Plastic Dreams

"Plastic Dreams" es el sencillo debut del productor holandés Jaydee, lanzado en el sello R&S Records en 1992. Tuvo éxito en países europeos y también logró éxito en los EE. UU., donde encabezó las listas de Billboard en dos categorías diferentes. El crítico musical estadounidense Robert Christgau lo nombró el mejor sencillo de 1993 en su lista de fin de año para la encuesta de críticos de Pazz & Jop.


Para muchos se considera como una pieza única de la electrónica con su matiz protagónica en el órgano Hammond a lo largo de 10 minutos de duración. Si bien este track se caracterizó por poseer una gran cantidad de remixes, ninguno es comparable con el original.



La canción, instrumental, presenta una prominente melodía de sintetizador tocada de una manera improvisada y estilo jazz. Con algunas versiones de alrededor de diez minutos de duración, la canción es conocida por brindar a los bailarines un buen ejercicio aeróbico.


La canción continúa siendo remezclada y relanzada hoy por muchos artistas, como David Morales. La canción ha aparecido en las listas británicas en más de una ocasión, primero en septiembre de 1997 cuando alcanzó el número 18 y nuevamente en enero de 2004 cuando alcanzó el número 35. En 1993, Epic Records (propiedad de Sony Music Entertainment) incluyó la canción en las listas británicas en más de una ocasión. Poco después, Epic Records negoció la adquisición de la mayoría de los derechos asociados con la canción.


En 1997, el compositor, productor discográfico, DJ y cantante estadounidense Robert Owens eligió la canción como una de sus 10 mejores de todos los tiempos. Explicó: "Esto es hipnótico y hace sonar la pista en todo momento. Es uno de esos discos lentos y de construcción que siempre estarán disponibles. Un clásico adelantado a su tiempo. Es algo que me encanta".

 

Paul Van Dyk - For An Angel

El 5 de diciembre de 1994 vio la luz uno de los temas más influyentes del trance y de la música electrónica mundial: “For An Angel“. El track forma parte del primer álbum de estudio del alemán Paul Van Dyk, que lleva por nombre 45 RPM, publicado en el label MFS.


Posteriormente fue reelaborada y relanzada en 1998 como "E-Werk Remix" en Deviant Records, un homenaje al club nocturno E-Werk donde Van Dyk solía ser el DJ residente. Esta obra maestra del Trance ocupó el número uno en la lista de baile del Reino Unido durante varias semanas, lo que catapultó su carrera a niveles entonces insospechados.



Desde su lanzamiento, el tema se convirtió en una de las pistas del genero más grandes e influyentes de todos los tiempos. Fue votado como el octavo mejor disco de baile de todos los tiempos por los lectores de Mixmag. La canción apareció en el álbum recopilatorio de Gigi D'Agostino, Il programmino di Gigi D'agostino.


La canción relata la búsqueda del protagonista sobre un ángel. Repite la frase "For an angel" varias veces a lo largo de la canción, acompañada de rítmicos stabs tranceros que, por momentos, se convierten en los únicos protagonistas del track. Estos sonidos tan característicos de la época estan acompañados de un bassline con tintes acid de fondo. En general, es una simple declaración de su búsqueda de una presencia angelical en su vida.

 

Crystal Waters - Gypsy Woman

Escrita por Neal Conway y Waters, la canción de la cantautora estadounidense fue lanzada el 3 de abril de 1991 como sencillo principal del álbum, Surprise. Muy probablemente se la recuerde por su estribillo "la da dee, la dee da" y su riff de teclado frecuentemente sampleado, que ahora es ampliamente considerado como uno de los mayores clásicos de la música House.


Un sonido fresco y nuevo para aquel entonces que sonó sin pausa en emisoras de radio y pistas de baile, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1991. El famoso estribillo de la canción es la parte de la letra que a todos se nos queda colgando por horas tras escuchar el tema. Pero tampoco se puede olvidar el órgano con su sonido profundo.


Según la propia Waters, la inspiración del track no vino sola: “Estaba mirando por la ventana de un hotel y vi a una gitana en la calle y me nació la historia. Rápidamente me puse a escribir la letra. Hay veces que tengo en mente algo para contar y después viene la música. No importa el orden, sí me interesa el resultado final”.



La canción en si trata sobre una mujer sin hogar que se despierta cada mañana, se peina y se maquilla, y canta por dinero en la calle. El protagonista la ve y siente empatía hacia su situación, preguntándose por qué es sin hogar. El coro repite la frase "la da dee la da da", mientras que el puente y el segundo verso refuerzan el mensaje de que la mujer sin hogar es como cualquier otra persona, a pesar de su situación.


"Gypsy Woman" alcanzó el puesto número ocho en el Billboard Hot 100 de EE. UU. y encabezó las listas en Bélgica, Italia, Países Bajos, España, Suiza, así como en el Eurochart Hot 100. La canción también alcanzó su punto máximo dentro del top 10 de las listas en al menos ocho países, incluidos Alemania, Irlanda y el Reino Unido, y entró en el top 20 en Australia y Francia.

 

Ame - Rej

Uno de los tracks más escuchados por todos entre 2005 y 2006 y, por ende, de los discos más vendido de Innervisions, label gestionado por Dixon. Un verdadero hit masivo creado por el dúo alemán Âme que se convirtió en un clásico de la mejor electrónica contemporánea y que los catapultó hacia lo más alto de la escena.


Pocos tracks capturan lo esencial y el fluir del House y el Techno de mediadios de la década del 2000 de una manera tan concisa como "Rej". Este track posee esa esencia entre el minimal techno y electro-house que para la época era algo desconocido pero que se volvía muy conocido a la hora de ir a cualquier pista.



Durante el invierto del 2005 y todo el 2006, los arpegios teatrales, la dinámica dramática y los cambios de armonía de "Rej" tenían un papel garantizado en la banda sonora de la noche.


Desde Richie Hawtin hasta Sasha, y pasando por una gran cantidad de artistas comerciales de la electrónica. No había DJ sin esta joya en su colección. “Estuvo en el Top 3 en las principales listas españolas. Uno por encima de Iron Maiden”, sonríe Kristian Beyer, el miembro más alegre del dúo alemán. Fue uno de los primeros lanzamientos de Innervisiones, lo que le dio el impulso esencial a Ame y a la marca de Dixon para volverse independientes e invertir así totalmente en su sonido, desarrollando gradualmente la organización multifacética que ahora da trabajo a 25 personas y abarca su propia agencia de bookings, distribuidora, editorial y oficinas.

 

Robin S - Show me love

Está considerado como uno de los himnos de música dance de todos los tiempos, siendo versionada más de una docena de veces por artistas, bandas, DJs de diferentes países a 20 años después de su lanzamiento. Inicialmente fue lanzado en 1990 bajo su verdadero nombre Robin Stone y en 1993 fue relanzado con nuevas voces como el primer sencillo de su álbum debut del mismo nombre, convirtiéndose en su mayor éxito hasta la fecha.


"Show Me Love" de Robin S. es una canción sobre el deseo de amor auténtico, la decepción y frustración que supone no encontrarlo. La letra trata sobre el anhelo de una persona que desea que se le demuestre algo de afecto, que verdaderamente existe ese sentimiento en quien utiliza las palabras sobre amor pero no lo demuestra en acciones.



El puente da a entender que la cantante no está interesada en relaciones superficiales, sino que busca verdadera devoción y sinceridad. Insta a su posible pareja a que acuda a ella con el corazón en la mano, indicando que quiere a alguien que esté dispuesto a ser vulnerable y abierto con ella.En general, "Show Me Love" es una súplica de amor auténtico, no sólo promesas vacías o relaciones superficiales. Expresa la necesidad universal de una conexión auténtica y la frustración que conlleva su búsqueda.


La canción hasta la fecha ha tenido un éxito como muy pocos temas en el mundo. Y quién pensaría que volvería a ser una mancuerna entre un productor sueco y uno de origen holandés, quienes no importante la fuerza misma que tenía la canción, iban a darle un valor agregado para las nuevas generaciones.


La canción alcanzó el primer lugar en el Hot Dance Club Play, el quinto en el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, y el sexto en la lista de éxitos del Reino Unido. Este icónico track también es reconocido por el uso del órgano de percusión Korg M1.

 

Tiga - Sunglases at night

Este track es la catapulta que lanzó a Tiga al estrellato como DJ cantante. Lanzado en el 2002, fue “Sunglasses At Night”, un cover del clásico de Corey Hart que realizó en colaboración con el finlandés Jori Hulkkonen bajo su alias Zyntherius. Vio la luz en Gigolo Records y fue el track que lo llevó a la fama, ayudándolo a constituir un nuevo género y una nueva era.


La canción "Sunglasses at Night" es una metáfora de cómo uno puede parecer sin emociones por fuera mientras que en realidad sufre mucho por dentro. El cantante parece estar advirtiendo a la persona con la que está hablando que no se meta con él, porque lleva gafas de sol, que simbolizan su estado de cautela, por la noche, cuando no se pueden ver sus verdaderos sentimientos.



En el 2018 el sello de Tiga celebró sus 20 años de existencia y entre las celebraciones, apareció este interesante paquete de remixes del track. Son tres los productores que le han puesto su impronta a la canción que sentó las bases del electroclash e influyó en géneros como el electro house y en diversos híbridos del house y del techno que llegaron con los años.


Esta letra también refleja la situación del autor de ser engañado y controlado como se ve en el pre-estribillo, “Mientras ella me engaña / Me corta la seguridad / ¿Me tiene controlado? / Me vuelvo hacia ella y le digo…” El coro enfatiza aún más el mensaje de la canción de que la persona no debe tener miedo del “chico en sombras”, dejando en claro que él es la misma persona que está siendo lastimada y engañada, pero también tiene control debido a su personalidad emocionalmente desapegada.

 

MANDY - Body Lenguaje

Este track creado por M.A.N.D.Y. (alias Patrick Bodmer y Philipp Jung) es uno de los temas más trascendentales de la música dance. Lanzado en 2005, definió toda una generación de música house y generó innumerables imitadores a su paso, además de darles un gran salto de calidad a los autores.


Se convirtió en un clásico instantáneo que funcionó tan bien en clubes acogedores como en los principales escenarios de festivales y se ha mantenido como un himno imperecedero del house. La influyente pista ha sido muestreada muchas veces a lo largo de los años, pero nada supera al original.



Los robustos tambores house todavía suenan hasta hoy, con golpes carnosos y bajos cálidos. Sin embargo, lo que la convierte en una canción tan destacada es el magnífico gancho melódico que sube y baja en la escala. Esas notas de enfoque suave están llenas de un alma sutil pero divertida que nunca deja de unificar a la multitud, hacer sonreír a los rostros y levantar las manos en el aire.


La canción "Body Language" de Mandy (USA) explora temas de deseo, control y empoderamiento en una relación romántica. La letra sugiere que el protagonista es consciente de que alguien los está mirando y está abierto a sus avances. Expresan el deseo de ser deseados y de ser tomados de manera dominante.


El coro enfatiza la importancia de comprender e interpretar el lenguaje corporal del protagonista. Invitan a la otra persona a demostrar que entiende lo que le gusta y a tomar el control. Esto puede verse como una metáfora de la intimidad física y emocional. El protagonista quiere que la otra persona demuestre su capacidad para satisfacer sus necesidades y deseos.

 

Audion - Mouth to Mouth

Con 'Mouth to Mouth' parece estar poniendonos a prueba a los oyentes, preguntándoles qué pocos elementos se necesitan realmente antes de poder llamar a algo una pista. El track de Audion cumple todas las obligaciones sin ofrecer lujos; incluso hacen que las producciones 'reducidas' del propio artista parezcan ricas.

Una serie repetitiva de patrones simples de 4/4 que comprenden tambores, clics y sirenas que se fijan en una simplicidad desde el principio y lo mantienen durante trece minutos. Al ser tan largo, transcurren dos minutos antes de que las cosas realmente empiecen a funcionar, pero para entonces los tambores realmente suenan, hay sacudidas y chirridos más pequeños, pero todos están subordinados a los ensordecedores despegues de cohetes que aparecen al azar a lo largo del pista.



La acción adicional proviene de un riff de conga de dos notas, el elemento más puramente decorativo aquí, pero es la emoción provocada por las sirenas la que impulsa esto. Trece minutos es excesivo, pero les dará a los DJs suficiente tiempo para hacer un corte.


El track tuvo tanto éxito en el mundo de la electrónica que llegó a ser remixeado por artistas como Jamie Jones, Dubfire, Dense & Pika, Boys Noize, Riva Starr, Guy Gerber y muchos más.



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