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10 himnos de la música electrónica



Desde los cimientos de la música electrónica en los años, infinidad de tracks sonaron en clubes, hogares y oídos de los amantes de este género musical. Hay algunos tracks que no pasaron para nada desapercibidos, a tal punto que marcaron un punto culmine en la historia de la música electrónica.


Estamos hablando de esos tracks que fueron escuchados, gozados y alabados por todos hasta estos días. Precursores de géneros, artistas y sonidos.


En esta ocasión les traemos 10 himnos de la música electrónica que fueron galardonados por la gente como algunos de los mejores temas de todos los tiempos. Cuando escuches cuales son, no vas a poder creer los años que tienen y la vigencia que siguen teniendo entre los mejores tracks de la historia jamás creados.


Daft Punk - Around the world

Si bien el dúo francés decidió ponerle fin a su carrera artística (por ahora), sus hits quedarán por siempre en la historia de la música electrónica, marcando puntos de inflexión en generaciones y generaciones de amantes por este género.


El tema "Around the World" se encuentra en el Top 3 de composiciones hechas por los DJs y productores, por no decir en el Top 1. Apareció en el álbum Homework, de 1997; aunque ésta fue lanzada como sencillo el 17 de marzo del mismo año por la discográfica Virgin Records.


Desde su lanzamiento, ha ganado muchísima popularidad alrededor del mundo, galardonándose con un disco de oro por la ARIA (Australian Recordings Industral Assoociation) y un disco de plata por el SNEP (Syndicat National de L´Edition Phonographique).


Este tema comprende dos versiones, una para radio que dura un total de 3:11 minutos y la versión que viene disponible en su álbum que es de 7:07 minutos.


En lo que respecta a su composición, la clave es una línea de bajo continuo y una voz procesada con un vocoder (efecto de sonido) cantando "around the world" en cadenas continuas. La frase se repite 144 veces en la versión del álbum y 80 veces en la edición de radio.


El mismísimo Michel Gondry, director de cine y de videos musicales destacó esta obra francesa como una excelencia de la música electrónica: "Me di cuenta de lo genial y simple que la música era. Sólo cinco instrumentos diferentes, con muy pocos patrones, cada uno para crear numerosas posibilidades de representaciones. Usando siempre la repetición, y dejándola cuando es demasiado", comentó.


Around the World es simplemente una hazaña para la música, gracias a la magnitud que tuvo a lo largo del mundo. Llegó a posicionarse en el Top 15 de temas más escuchados en más de 10 países. Y todavía no pierde su mística esencia.


Frankie knuckles - The Whistle song

Considerado como el padre del House, sus inicios en los ´70 dentro de la música marcaron un antes y después para el género. Pero no fue hasta 1991 donde su nombre explotó dentro de la música electrónica de aquel entonces.


Siendo productor hace unos años, el sello “Virgin” vio algo en él que otros no y decidió apostar en el DJ estadounidense. Y que bien que le salió, porque a principios de la década de los 90, Frankie lanzó su álbum "Beyond The Mix".


En este compilado de 10 canciones se encontraba "The Whistle Song", un track que se convertiría en ícono indiscutible del género hasta estos días, siendo así también una de las pistas por excelencia de Frankie. A partir de este lanzamiento es cuando se lo apodaría como el padre del House.


Esta obra maestra se puede considerar como un lavado de sintetizadores ambientales y platillos que proporcionan la estructura justa para que una flauta modulada electrónicamente deambule a lo largo del tema y con una improvisación melódica que podría continuar para siempre.


Dulce con estas flautas encantadas, esta canción es un verdadero momento de felicidad y plenitud que fue hecha en tributo a la práctica de los clubes de hace muchos años de hacer sonar los silbatos para indicar la aprobación de un tema que estaba sonando en la pista. Todo el lado oscuro que la música electrónica a veces puede traer, desapareció en esta melodiosa canción.


Resumiendo en palabras, acá se refleja un poco de la historia del House: Comienzo mágico y un movimiento salvador que apareció en nuestras vidas a partir de los ´70, cuyos buenos años ahora quedaron atrás, dando paso a esta melancolía, pero también a un renacimiento moderno que surge en las generaciones de jóvenes productores.


Kraftwerk - The Model

Pareciera mentira pensar que de los grises sólidos y tristes que se apoderan de la ciudad de Düsseldorf en Alemania, haya surgido la banda ícono de la música electrónica. 1970 fue el momento donde Kraftwerk vio la luz, aunque sus mentes e ideas estaban muchos años adelantadas.


Desde su formación con Ralf Hütter y Florian Schneider a la cabeza hasta hoy, la banda sigue siendo escuchada a lo largo y ancho de todo el mundo. Sus sonidos futuristas y electrónico hechos por sintetizadores despertaron en el oyente algo jamás escuchado hasta ese entonces.


Si bien durante su larga trayectoria han lanzado una gran cantidad de hits, ninguno se compara con "The Model" o también conocida en alemán como "Das Model". Track grabado en 1978 y compuesto por los músicos Ralf Hütter y Karl Bartos, con el artista Emil Schult colaborando en la letra. Esta belleza musical apareció por primera vez en el álbum Die Mensch-Maschine y claramente fue un antes y un después para los amantes de la música, y no sólo de la electrónica, sino en general.


Esta canción se inspiró en las modelos que trabajaban en la discoteca The Bagel de Colonia. Cuenta la historia de una modelo de alta costura mientras pasa su ajetreado día.


Si bien en 1978 se lanzó en Alemania, en 1981 se reeditó de nuevo como single y a comienzos de 1982 consiguió el número uno en el Reino Unido, siendo así el tema de mayor éxito de la banda. Kraftwerk fue el primer grupo alemán en conseguir esa posición en ese país. Estuvo durante 21 semanas en el Top 75 de las listas británicas.


Cuando lanzaron Man Machine en 1978, nunca se hubiesen imaginado que escribieron la historia de la música con esta canción. Esta track se adelantó a su tiempo, como ellos.


La canción tiene esa impronta industrial en su ritmo, en su estructura, en su cadencia. Las diferentes melodías y lineas de sintetizador se suceden una tras otra como partes de un proceso mecánico. Parece que la canción hubiera sido compuesta en la linea de montaje de una factoría Volkswagen. ADN germánico a paladas.


Este tema se podría traducri como "La maquina por encima del hombre". Acá, las máquinas, los sintetizadores, las computadoras son las que dominan el juego, quedando el ser humano relegado en un segundo lugar.


Royksopp - What Else is there

Röyksopp es un dúo noruego de música electrónica formado en Tromsø en 1998. Desde sus inicios, los dos componentes del proyecto son Svein Berge y Torbjørn Brundtland.


Desde su surgimiento hasta hoy, han sacado una gran cantidad de singles y álbumes, pero nada se compara con "¿What Else is There?". Lanzado en el 2005, más precisamente el 12 de julio, este éxito nació en el álbum "The understanding", siendo el tercer sencillo de este segundo disco que sacaron como dúo.


El éxito del track no tardó en llegar: Se convirtió en el más exitoso del álbum, alcanzando el puesto 32 en Reino Unido​ y el 4 en Noruega; fue elegida entre las 500 mejores canciones de la década por Pitchfork Media, en el puesto 375; en el ranking de las 10 mejores canciones noruegas de la década por VG, fue elegida sexta y además,

fue incluida en la película Meet Bill​ y en los créditos de Cashback.


La voz y lyrics tan característicos son interpretados por la cantante sueca Karin Dreijer Andersson, integrante de The Knife. Su vocal viene acompañada de buen groove, intensas y misteriosas melodías y una gran historia por detrás.


Debajo del sonido del canto distintivo de Karin, se encuentra la historia de un espíritu inquieto, que fue víctima de un accidente automovilístico.


En el video, Schröder (modelo sueca que aparece en el video) ilustra el fantasma de la víctima, acechando en las carreteras. Eventualmente, rastrea al conductor que la golpeó, para reconocer su presencia y compartir su historia.


Jeff Mills - The Bells

Una buena forma de arrancar a describir este tema es con la definición de la RAE según la palabra pionero. Según al Real Academia Española, esta palabra refiere a "Persona que da los primeros pasos en alguna actividad humana", y está podría llegar a ser una clara definición sobre Jeff Mills y su música.


Si miramos la carrera del DJ y productor estadounidense, en perspectiva encontramos a un visionario, una persona capaz de expandir los límites de su imaginación y creatividad más allá de nuestro planeta, ya sea con la creación y mezcla de música o con piezas audiovisuales de altísima calidad.


Pero acá no venimos a hablar de la carrera del oriundo de Detroit, sino de uno de los mayores iconos creados por él: “The Bells”. Por lejos, su track más famoso y además uno de los mejores temas de techno de la historia hasta hoy en día. Cada vez que Mills o cualquier otro DJ se toman el atrevimiento de tirarlo a la pista, la gente se convierte y descontrola. Una bomba imposible de replicar.


La historia de este tema nos traslada al siglo pasado, cuando Jeffery Mills (nombre de pila) lo lanzó como parte del segundo EP de la serie Purpose Maker en 1997. De inmediato conquistó las pistas de baile y fue utilizado por casi todo el panorama electrónico en sus sets.


Sus icónicas percusiones con la Roland TR-909 y ese mítico sintetizador que hace volar la cabeza que de quien lo escucha, hicieron de este track una verdadera bomba y más para aquellos años donde encontrar un tema así era casi imposible. 4:50 de puro Techno del bueno, sin parar y con grandes implantes en el Detroit de los ´80/´90.


Sin embargo eso no es todo, porque 22 años después, a fines de 2019 The Bells ha sido remasterizado y lanzado de nuevo en vinilo dentro del sexto volumen de la serie Director’s Cut, una iniciativa en la que Mills transforma viejos temas de su repertorio junto a algunos inéditos.


Donna Summer – I Feel Love

Lo que sucedería a partir del 9 de julio de 1977 en adelante cambiaría por completo la historia de la música a niveles inimaginados. Muchos dicen que fue precursora y gran influyente de géneros como el disco, house, techno y más. Estamos hablando del track compuesto por Giorgio Moroder, Pete Bellotte y la bella voz de Donna Summer: I Feel Love.


Viendo la luz por primera vez en su álbum de 1977 "I Remember Yesterday", este track representa al "futuro", algo que se puede apreciar como el paso del tiempo al escuchar los temas que componen el respectivo disco.


Este bello tema alcanzó el #1 en el UK Singles Chart, el #6 en el Hot 100 de Billboard y el #9 en el Hot Soul Singles. "I Feel Love" está posicionada en el lugar #52 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.


"I Feel Love" tuvo un impacto enorme lo cual provocó que fuera lanzado como sencillo aparte en julio de 1977 a nivel internacional. Se convirtió en uno de los grandes éxitos de Summer, tanto en sus trabajos en la música disco como en toda su carrera.


Dejando atrás un poco los números y logros, pasemos a hablar del tema en sí. Este track fue grabado con una pista de acompañamiento a base de sintetizadores y caja de ritmos, logrando así una gran influencia en muchos artistas que terminaron siendo precursores de otros géneros posteriores.


Sus tom-toms perforantes, edits cortados a cuchillo, línea de bajo de oscilador, mantos de sintetizadores polifónicos y ritmos secuenciados, unidos en una estructura repetitiva que, pese a la frialdad de los instrumentos, transmitía algo humano y difícil de describir, llegándolo a comprarar con la llegada de Star Wars al mundo cinematográfico.


La idea de Bellote y Moroder era simple: Sincronizar el instrumento con la grabadora de cinta de un estudio para que, después de registrar un beat de referencia en una de sus pistas, todas suenen perfectamente uniformes. El resultado sonoro que le dio a "I Feel Love" fue un tinte robótico y frío que sonó invariablemente en todas las pistas de baile del mundo a partir de 1977.


La catedral sintetizada de cristal y acero que creó el compositor para esa canción exigía una interpretación alejada de la calidez sexy del soul, un terreno que Summer dominaba por completo. Pero la famosa "reina del disco" se adaptó muy bien a esa necesidad, probando con una voz glacial, distante y capaz de transmitir una plácida serenidad que funcionó de manera óptima en aquel contexto.


De esta manera, Moroder logró algo que hasta entonces solo Kraftwerk dominaban, extraer emociones de los sintetizadores.


The chemical Brothers - Go

En esta lista no podía faltar el icónico dúo británico The Chemical Brothers. Estos DJs, producers y Live actors son claro sinónimo de la música electrónica. Sus hits fueron escuchados en todo el mundo y su nombre recorrió una larga lista de paises.


Pero si hubo un momento que los marcó fue el 4 de mayo de 2015 (el tema más reciente de esta longeva lista) se lanzó oficialmente "Go" el primer sencillo oficial del álbum "Born in the Echoes", que contó con Q-Tip como vocalista principal del track.


Este disco está compuesto por 11 tracks y la canción a la que hacemos mención recibió una nominación a Mejor Grabación Dance en la 58ª edición de los Premios Grammy.


A partir de septiembre de 2017, el sencillo fue certificado Plata por la Industria Fonográfica Británica y apareció en el top 50 de charts alrededor del mundo en diez ocasiones.


Esta canción presenta Q-Tip (rapero estadounidense) rimando sobre la instrumentación retro de The Chemical Brothers. La secuencias de bajo junto con la vocal forman un buen groove en cada ritmo y silencio del track. Los sintetizadores bien espaciados en la mezcla crean un gran cuerpo y ambiente para que no choquen y se entienda todo a la perfección.


Hablando un poco de su llamatívo y exótico video rodado en el distrito Parisino de Beaugrenelle, el director de cine Michel Gondry nos muestra un grupo de chicas que marchan por sus calles de manera sincronizada, casi como una locomotora humana. Nos permite viajar por unos de los pocos barrios del centro de París con rascacielos, también conocido como el pequeño Manhatan, fruto de un planeamiento urbanístico de los años 70.


Energy 52 - Café Del Mar

Energy 52 es un proyecto musical de trance conformado por los productores alemanes Paul Schmitz-Moormann y Harald Blüchel. Sin duda alguna, ninguno de los dos alguna vez se imaginó que una de sus producciones sería reconocida como uno de los mayores éxitos de la música trance de todos los tiempos.


Estamos hablando de Café de Mar. Este tema, original del año 1993, alcanzó un éxito mucho mayor cuando volvieron a publicarlo en 1997 como una nueva remezcla. Su sonido y su arreglo identifican muy bien a la música trance de aquellos años; en especial, los arpegios de sinte que se convirtieron en el cliché definitivo de este estilo.


Es reconocible por su melodía única, su popularidad lo refleja en la infinidad de versiones que han sido realizadas desde su creación hasta la fecha. Tuvo más de 50 versiones diferentes, entre las que se destacan productores como Tale of Us, Ricardo Villalobos, Deadmau5, Three'n'One, Roberto Rodríguez Suvilahti y muchos más.


Su nombre está inspirado en el famoso bar situado en Ibiza, Islas Baleares, España y su melodía principal tiene el sample de “Struggle For Pleasure”, original del compositor belga Wim Mertens.


El sonido en cuestión combina un intenso ataque pulsado con un cuerpo analógico más tradicional. El desarrollo de los sintetizadores digitales en los años 90, con un notable aumento de la polifonía y la capacidad multitímbrica, facilitó y popularizó estas capas de varios sonidos.


En abril de 2011, “Café del Mar” fue votada como la canción número 1 en la encuesta realizada por Pete Tong, la cual fue elegida por la participación de los oyentes de BBC Radio 1, en una selección de "los 20 mejores pistas de la música dance de los últimos 20 años".


Sin embargo no todo es color de rosas en esta bella historia en aquel Café de Mar en Ibiza, ya que Paul Schmitz dejó de producir música dance en 1996 y tuvo algún que otro roce con Kid Paul al atribuirse gran parte del mérito de Café del Mar, por lo que la formación se disolvió después del gran éxito que tuvieron.


Tiesto - Adagio for strings

Adagio for strings o Adagio para Cuerdas no nace de la mente de Tiesto sino del compositor estadounidense, Samuel Barber. El Adagio para cuerdas de Barber tiene su origen en el segundo movimiento de su Cuarteto de cuerdas nº 1, Opus 11, compuesto en 1936. En el original, sigue a un violento primer movimiento contrastante y le sigue un tercer movimiento que es una breve reexposición del mismo tema.


Lo que hizo Tijs Michiel Verwest o mejor conocido como Tiesto fue traer esa composición al mundo de la música electrónica y darle una segunda vida ante un público completamente nuevo y renovado musicalmente.


Esta versión fue publicada el 31 de enero de 2005 en su álbum Just Me bajo el sello discográfico, Black Hole. La grandeza que le da un gran empujón a esta versión trance es que fue presentada al mundo desde el escenario de, Tiësto In Concert, el primer show sold out de un DJ en una arena. Esto enalteció de sobremanera a esta pieza musical. La suma de todas estas condiciones hizo que hasta la fecha, la gente siga recordando esta enorme etapa dentro de la carrera de Tiësto, quien aún sin estar ya dentro del género, continúa en la grandeza de la escena DJ.


Adagio for Strings es mucho mas que una canción, es el himno indudable de la música trance a nivel mundial, uno de esos clásicos inolvidables que a cualquiera que la vivió, le eriza la piel con solo escuchar sus tonalidades.


Tiësto tomó la composición original de Samuel Barber, y la fusiono con su increíble talento, manteniendo al mismo tiempo el alma de la pieza: la formación orquestal y la voz del coro, que le dan a la canción ese toque único.


, Tiësto todavía toca ese hit en vivo en cada uno de sus sets hasta la fecha, haciendo la más increíble experiencia jamás vivida para los fans.


Faithless - Insomnia

El grupo Faithless es uno de los pocos que tiene el privilegio de quedar en la historia de la música electrónica por años y años hasta el día de hoy inclusive. Sus temas han recorrido los oídos de millones de oyentes, pero si hay que destacar uno de esa larga lista de éxitos hay que mencionar al icónico e inigualable "Insomnia".


Mientras que Rollo produce el estilo único de la banda, Sister Bliss impone en las producciones su talento con el piano, violín, saxo y bajo, Maxi Jazz es quien le da esa vocal tan particular al grupo y a sus respectivos tracks.


El lanzamiento por primera vez de este tema tuvo lugar el 27 de noviembre de 1995 en Reino Unido, pero no fue hasta su reedición cuando explotó a nivel mundial. En esta segunda y posteriores versión del tema, se le pidió a los intérpretes que cambien parte de la letra debido a que no eran aptas para las radios (BBC Radio 1) o canales de televisión (MTV).


Luego de esto, Insomnia dejaría de ser un tema más y pasaría a ser Top 1 en seis diferentes charts alrededor del mundo y entraría dentro del Top 10 en otros 22 países como Alemania, Canadá, Dinamarca, Finlandia, Bélgica, Australia, entre otros.


En sí, la letra del tema relata la vida de alguien que no puede dormir y que tiene insomnio (de ahí el nombre del tema) debido a las cosas que toma y afirmaban que la gente de los clubes se podía llegar a sentir muy identificada con este lyrics.


El tema se compone de melodías melancólicas y misteriosas, acompañadas de una base que le da ese ritmo característico de los ´90, sonidos de piano, la voz de Maxi Jazz y ese sintetizador tan característico que le da el cuerpo y el alma al tema y que se puede apreciar a partir del segundo minuto y medio del track. Amante o no de la música electrónica, alguna vez escuchaste esta melodía inigualable y que claramente marcó un antes y un después.


En sí, este tema demostró que lo simple lo puede todo, porque con unos simples acordes que se repiten en diferente escala, Faithless hizo revolucionar al público de aquella época y hasta la de hoy en día.


En una entrevista los integrantes del grupo aseguraron que el tema les salió, a pesar de haber tardado varios días, en 60 minutos netos. 20 minutos para la base, 20 para las melodías y 20 para las vocales.


Así comentaba el vocalista de la banda en una entrevista tras años del lanzamiento del track: “Fue una gran sorpresa que la canción fuera un gran éxito pero una sorpresa aún mayor es que todavía sea una de las favoritas de la gente. Si tuviera una libra por cada vez que alguien me dice ‘I can’t get no sleep’, estaría viviendo en la estación espacial”, agregó Maxi.

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